El Fauvismo

Las vanguardias artísticas históricas

El vanguardismo, o avant-garde en francés, se refiere a las personas o a las obras experimentales e innovadoras, en particular en lo que respecta al arte, la cultura, la política, la filosofía y la literatura.

Representa un empuje de los límites de lo que se acepta como la norma o statu quo, sobre todo en el ámbito cultural. La noción de la existencia del vanguardismo es considerado por algunos como una característica del modernismo, a diferencia de la posmodernidad. Muchos artistas se han alineado con el movimiento avant-garde y aún continúan haciéndolo, trazando una historia a partir del dadaísmo pasando por los situacionistas hasta artistas posmodernos como los Poetas del Lenguaje alrededor de 1981.²​

El término también se refiere a la promoción de reformas sociales radicales. Fue este sentido el que fue evocado por el adherente a Saint-Simon, Olinde Rodrigues, en su ensayo "L'artiste, le savant et l'industriel" ("El artista, el científico y el industrial", 1825), que contiene el primer uso registrado de "avant-garde" en su sentido ahora habitual: allí, Rodrigues pide a los artistas "servir como el vanguardismo [de la gente]", insistiendo en que "el poder de las artes es, de hecho, la forma más inmediata y rápida" para la reforma social, política y económica.

Estos movimientos artísticos renovadores, en general dogmáticos, se produjeron en Europa en las primeras décadas del siglo XX; desde donde se extendieron al resto de los continentes, principalmente hacia América, en donde se enfrentaron al modernismo.

La característica primordial del vanguardismo es la libertad de expresión, que se manifiesta alterando la estructura de las obras, abordando temas tabú y desordenando los parámetros creativos. En poesía se rompe con la métrica y cobran protagonismo aspectos antes irrelevantes, como la tipografía.

Características del vanguardismo

• La lucha contra las tradiciones, procurando el ejercicio de la libertad individual y la innovación;

• Audacia y libertad de la forma.

• El carácter experimental y la rapidez con que se suceden las propuestas, unas tras otras.

Una de las características visibles de las vanguardias fue la actitud provocadora. Se publicaron manifiestos en los que se atacaba todo lo producido anteriormente, que se desechaba por desfasado, al mismo tiempo que se reivindicaba lo original, lo lúdico, desafiando los modelos y valores existentes hasta el momento.

Surgen diferentes ismos (futurismo, dadaísmo, cubismo, constructivismo, ultraísmo, surrealismo, suprematismo, rayonismo, etc.), diversas corrientes vanguardistas con diferentes fundamentos estéticos, aunque con denominadores comunes:

Portada de la primera edición del Ulises de James Joyce.

• El poeta/artista/arquitecto vanguardista no estaba conforme. Como el pasado no le servía, tenía que buscar un arte que respondiera a esta novedad interna que el individuo estaba viviendo, apoyándose en la novedad original que lleva dentro.

• Tenían que abandonarse los temas viejos, carentes de sentido y sin respuestas para el individuo nuevo.

• En algunos movimientos había una tendencia a hacer plástica en la coloración de las palabras.

• En la poesía se jugaba constantemente con el símbolo.

• Las reglas tradicionales de la versificación necesitaban una mayor libertad para expresar adecuadamente su mundo interior.

• Reaccionaba contra el modernismo y contra los imitadores de los maestros de esta corriente; una conciencia social los llevaba a tomar posiciones frente al individuo y su destino.

• Nuevos temas, lenguaje poético, revolución formal, desaparición de la anécdota, propuesta de temas como el anti-patriotismo.

• El punto de vista del narrador comenzaba a ser múltiple.

• Un vínculo estrecho entre el ambiente y los gustos del personaje.

• Comenzaba a profundizarse en el mundo interior de los personajes, presentados a través de sus más escondidos estados del alma.

• No era el tiempo cronológico el que tenía importancia, sino el tiempo anímico, y comenzó a tomarse en cuenta el aspecto de presentación, pues se limitaba a sugerir para que el lector complete; el autor comenzó a exigir presencia de un lector atento que fuese desentrañando los hechos presentados y fuese armando inteligentemente las piezas de la novela de nuestro tiempo.

En la pintura ocurriría una huida del arte figurativo en favor del arte abstracto, suprimiendo la personificación. Se expresaría la agresividad y la violencia, violentando las formas y utilizando colores estridentes. Surgieron diseños geométricos y la visión simultánea de varias configuraciones de un objeto.

En la literatura, y concretamente en la poesía, el texto se realizaría a partir de la simultaneidad y la yuxtaposición de imágenes. Se rompió tanto con la estrofa, la puntuación, la métrica de los versos como con la sintaxis, alterando por completo la estructura tradicional de las composiciones (por ejemplo, en el Finnegans Wake o en el final del Ulises de James Joyce). Surgió el caligrama o poema escrito de modo tal que formara imágenes, con el objetivo de acabar con la tóxica sucesividad del hecho escrito o leído.

Los representantes del vanguardismo más influyentes

1- Salvador Dalí

Salvador Dalí nació el 11 de mayo de 1904 en Figueres, España. Desde muy pequeño se animó a practicar arte, por lo que finalmente fue a estudiar a Madrid. En la década de 1920, se trasladó a París y comenzó a interactuar con artistas como Picasso, Magritte y Miró.

Dalí es quizás mejor conocido por su pintura de 1931 “La persistencia de la memoria”, que muestra relojes derretidos en un ajuste del paisaje. El ascenso del líder fascista Francisco Franco en España condujo a la expulsión del artista del movimiento surrealista, pero eso no lo detuvo para seguir creando. Muere en su ciudad natal en 1989.

2- Pablo Picasso

Pablo nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España. Fue un pintor español, escultor, ceramista, grabador y escenógrafo. Es reconocido como uno de los artistas más influyentes del siglo XX y el creador del cubismo junto a Georges Braque.

Su inusual habilidad para dibujar comenzó a manifestarse alrededor de los 10 años de edad, cuando se convirtió en alumno de su padre, a quien logró superar en habilidades. A los 13 años el pintor realizó su primera exposición con el apoyo de su progenitor.

Durante casi 80 años, Picasso se dedicó a una producción artística que contribuyó significativamente y paralelamente a todo el desarrollo del arte moderno en el siglo XX. Picasso falleció el 8 de abril de 1973 en Mougins, Francia.

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3- Pierre Alechinsky

Nació en Bruselas, donde recibió formación en ilustración de libros y tipografía en la École Nationale Supérieure d’Architecture et des Arts Décoratifs. Trabajó en diversos medios, desde la pintura hasta la poesía y el cine.

Fue miembro original de COBRA, un grupo internacional de artistas daneses, holandeses y belgas que se desarrolló entre 1948 y 1952. En camaradería con otros artistas, tenía grandes expectativas de una nueva sociedad de posguerra y una nueva escuela de arte.

A mediados de los años cincuenta, Alechinsky estudió el arte de la caligrafía en Japón, adoptando algunas de sus técnicas para su propio trabajo, así como los materiales de pincel y tinta sobre papel.

En sus pinturas y grabados, desarrolló un vocabulario pictórico personal y accesible de formas que sugieren animales, aves, volcanes, cascadas, plantas y cuerpos humanos.

Uno de sus trabajos es “Gong”, el cual está poblado por formas biomórficas que fluyen unas a otras, y redactado con líneas gestuales de tinta y franjas de color utilizando una paleta monocromática de varios blues.

4- Wolf Vostell

Nació en 1932 en Leverkusen, Alemania. Estudió en la Escuela Nacional Supérieur de Bellas Artes de París.

Desde principios de los años sesenta, Vostell utiliza una variedad de medios y materiales en sus acontecimientos, acciones e instalaciones sin ser artista de medios en sentido estricto. Su concepto de Dé-collage difiere de “collage” en que destaca el aspecto agresivo y destructivo de las estructuras encontradas y visuales.

A partir de 1963, utiliza los televisores en su arte y publica siete números de la revista “Dé-collage / Boletín aktueller Ideen” de 1962 a 1967, un foro importante en ese momento. Muere en Berlín en 1953.

5- Igor Stravinsky

Igor Fedorovich Stravinsky nació el 17 de junio de 1882 en Oranienbaum cerca de San Petersburgo, Rusia.

Su padre era un cantante estrella de la Ópera Imperial, que esperaba que su hijo se convirtiera en un burócrata, por lo que Igor realizó un curso universitario de derecho antes de tomar la decisión de convertirse en músico.

Era un buen pianista aficionado, un entusiasta lector de puntajes vanguardistas (no tradicionales) de Francia y Alemania, y un aficionado a los idiomas (sabía italiano, francés y ruso).

Su acercamiento a la composición musical era de renovación constante, siendo el ritmo el ingrediente más llamativo. Su instrumentación y sus formas de escribir para las voces también eran distintivas e influyentes.

Sus armonías y formas eran más evasivas y difíciles de entender. Reconoció la melodía como el elemento “más esencial”. Stravinsky murió el 6 de abril de 1971, en la ciudad de Nueva York y fue enterrado en Venecia.

6- Luigi Russolo

Nació en Portogruaro (Véneto) en 1885. Después de unirse a su familia en Milán en 1901, decidió adentrarse en la pintura. En 1909 mostró un grupo de grabados en la Famiglia Artistica en Milán, donde conoció a Umberto Boccioni y Carlo Carrà.

Sus obras periodísticas divisionistas fueron influenciadas por Previati y particularmente por Boccioni. Después de su encuentro con Marinetti, Russolo firmó tanto el “Manifiesto de Pintores Futuristas” como el “Manifiesto Técnico de Pintura Futurista”. Posteriormente, participó en todas las veladas y exposiciones futuristas.

Sus lienzos, futuristas maduros, están abiertos a la influencia cubista y se basaban principalmente en los ejemplos del foto-dinamismo de Anton Giulio Bragaglia y la crono-fotografía de Etienne-Jules Marey.

Realizó su último concierto en 1929 con la apertura de un espectáculo futurista en París en la Galería 23. Después de un período en España, donde estudió filosofía oculta, regresó a Italia en 1933, estableciéndose en Cerro di Lavenio en el Lago Maggiore. Russolo murió en Cerro di Lavenio en 1947.

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7- Will Alsop

Will Alsop es un prominente arquitecto y artista nacido en 1947 en Northampton, Inglaterra. Ha sido galardonado con el Premio RIBA Stirling de la Biblioteca Peckham de Londres y el primer Premio Mundial RIBA por el Centro Sharp de Diseño (OCAD) de Toronto.

Su trabajo abarca todos los sectores de la arquitectura, incluyendo el diseño urbano y la planificación. Su práctica de estudio también incorpora pintura y diseño de producto, y además es profesor de arquitectura en la Universidad de Viena y de la Canterbury School of Architecture, UCA.

Se ha encargado de la regeneración del distrito londinense de Hounslow. Desarrollando esquemas para la regeneración de Vauxhall y trabajando internacionalmente en China, Canadá y Europa.

Los diseños icónicos de Alsop, como la planta de energía de Glenwood en Yonkers, Nueva York y el centro de Sharp para el diseño para la universidad de Ontario del arte y del diseño en Toronto lo han establecido como visionario en el campo de la arquitectura.

8- Allora & Calzadilla

Jennifer Allora y Guillermo Calzadilla, son conocidos como Allora & Calzadilla, un dúo colaborativo de artistas visuales de San Juan, Puerto Rico.

Han producido una amplia gama de esculturas, fotografías, arte de performance, sonido y video. Su práctica artística se relaciona con la historia y la política, abordando las cuestiones socioculturales y territoriales, haciendo hincapié en las fracturas de la línea en la sociedad.

Se conocieron como estudiantes mientras estudiaban en el extranjero en Florencia y han estado viviendo y trabajando juntos desde entonces.

Representaron a los EEUU en la 54ª Bienal de Venecia en 2011 con una exposición llamativa organizada por el Museo de Arte de Indianapolisa a la que titularon “Gloria”. La exposición incluyó actuaciones de atletas, gimnastas y medallistas olímpicos.

9- Martin Boyce

Nació en en 1967 en Hamilton, Escocia, y actualmente vive y trabaja en Glasgow. Asistió a la Escuela de Arte de Glasgow, donde recibió un BA en Arte Ambiental en 1990 y un MFA en 1997. En 1996, también estudió en el Instituto de California para las Artes en Valencia, CA. Es ganador del Premio Turner 2011 de Tate, Boyce.

Desde el comienzo de su carrera, ha incorporado una paleta de formas que frecuentemente recuerdan las estructuras familiares del entorno construido: una cabina telefónica, una parrilla de ventilación, una valla ligada a la cadena, de una manera totalmente nueva.

En 2009, Boyce representó a Escocia en la 53ª Bienal de Venecia con una presentación de pabellón en solitario titulada “No Reflections”, que viajó a Dundee Contemporary Arts en Escocia de 2009 a 2010.

Su obra está representada en las colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York, Tate en Londres, Museum für Moderne Kunst de Frankfurt, Alemania, entre otras instituciones en todo el mundo.

10- Martin Creed

Martin Creed nació en Wakefield, Inglaterra, en 1968 y asistió a la Slade School of Art en Londres. Ha tenido numerosas exposiciones individuales y proyectos alrededor del mundo.

Las palabras y la música siempre han sido parte integral de la práctica de este artista. La simplicidad con el uso de pocas notas y palabras, demuestran un acercamiento simple pero intelectual.

Creed escribió una pieza de cuatro minutos, “Work No. 955” para la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham, siendo una pieza complementaria para una exposición individual en la Galería Ikon de Birmingham. Este trabajo se repitió en un concierto dado en Japón para la Orquesta Sinfónica de Hiroshima.

Actualmente, como curioso que combina diferentes formas de arte, Creed sigue creando obras con gran ingenio.

11- Mike Kelley

Mike Kelley nació en 1954 en Detroit, Michigan, y murió en 2012 en Los Ángeles. Tuvo aspiraciones tempranas de ser un novelista, pero dudó de su talento como escritor y consideró que la escritura era demasiado difícil, así que le dio una vuelta a sus energías por el arte a través de la pintura y la música, extendiéndose luego a otras áreas.

Comenzó a crear instalaciones multimedia que sintetizaron dibujos y pinturas a gran escala, a menudo incorporando su propia escritura, junto con esculturas, vídeos y actuaciones.

A mediados de la década de 1980, ya estaba ganando la atención nacional e internacional. Su carrera despegó antes en Europa que en los Estados Unidos.

En 2005, tuvo su primera exposición individual en la galería Gagosian de Nueva York. Las obras de Kelley incluyen importantes colecciones públicas y privadas, entre estas el Museo de Arte Moderno y el Museo Solomon Guggenheim de Nueva York.

12- Beatriz Milhazes

Es una artista brasileña que nació en 1960 en Río de Janeiro. Milhazes utiliza predominantemente el principio del collage, combinando el dibujo de su conocimiento sobre las tradiciones de América Latina y Europa. Sus influencias provienen de su propia fascinación por las artes decorativas, la moda, y la geometría.

Milhazes ha descrito su propio trabajo como geométrico, pero sin poner todo en un cuadrado o en un círculo. Utiliza colores brillantes que también abarca un estilo femenino de la obra.

Ha tenido exposiciones individuales y colectivas en algunos museos, incluyendo el Museo de Arte Moderno y el Museo de Arte Moderno de París.

13- Giuseppe Penone

Es un artista italiano que nació en 1947. Comenzó a trabajar profesionalmente en 1968, siendo el más joven del movimiento italiano conocido como “arte pobre” (arte povera), ya que con apenas 21 años de edad realiza su primera exposición.

En sus obras utiliza materiales no convencionales, siendo el árbol un elemento central en la obra de Penone.

El artista tiene una visión paradójica y empática del mundo visible. No trata de mostrar obras agradables o hermosas, aunque su tacto y su estética elegante, revela la belleza interior del medio ambiente.

14- Anri Sala

Nació en Albania en 1974. Su trabajo se basa principalmente en el vídeo y el sonido con historias íntimas y entrelazadas.

En poco tiempo, su trabajo se convirtió en una de las expresiones más importantes del vanguardismo, con exposiciones por todo el mundo. Así pues, en 2001 recibe en la Bienal de Venecia el Premio Joven Artista.

15- Tino Sehgal

Nació en 1976 en Londres, Inglaterra, pero también tiene nacionalidad alemana. Su obra existe tan sólo en el momento de su realización, porque el artista no está interesado en producir objetos materiales. Su trabajo no está documentado de ninguna forma, son para él “situaciones construidas”.

Es el artista más joven que ha representado a Alemania en la Bienal de Venecia. Sus exposiciones han visitado los lugares y museos más importantes del mundo.

CIUDADES DE INFLUENCIA

A comienzos del siglo XX se producen grandes cambios en la vida cotidiana  de las ciudades. Inventos como el automóvil, el avión o el teléfono y la generalización del uso del  ferrocarril,  redujeron las distancias y aceleraron el ritmo de vida. 



GINO SEVERINI: "Tren de la Cruz Roja atravesando un pueblo", 1915

Los nuevos movimientos artísticos conocidos como "vanguardias históricas" surgen en el ámbito urbano y la ciudad con sus rascacielos, sus calles y plazas, el ir y venir de sus gentes, se convierten en un tema recurrente para los artistas. 

 

Pintura y literatura expresarán a través de sus obras todas las imágenes y sentimientos contrapuestos que ofrece la ciudad: el bullicio, la cultura, los avances técnicos, la soledad, la riqueza y la miseria, la vitalidad y el desasosiego, el anonimato..."una multitud en la que nadie está del todo claro para el otro y nadie es para el otro enteramente impenetrable" (WALTER BENJAMIN).

KLIMT: " Malcesine on Lake Garda",1913

Las profundas alteraciones en las formas de vida que se producen a partir de la Revolución Industrial y de las revoluciones burguesas del siglo XIX, con la implantación del liberalismo, darán lugar a enormes trasformaciones sociales en todos los ámbitos de la realidad. El arte experimenta nuevos caminos de la mano del movimiento impresionista y postimpresionista, pero será el siglo XX, a través de las vanguardias, el que romperá de una manera contundente con las tradiciones formales seguidas hasta el momento. La historia con sus acontecimientos -urbanismo creciente, avances técnicos, guerras mundiales, auge del fascismo, depresión de 1929...- se reflejará en las manifestaciones artísticas. El artista, libre de la presión de los mecenas, dará rienda suelta a su labor creativa individual y así surgirán las distintas tendencias en la pintura, uno de cuyos temas será la ciudad como centro de relaciones complejas y donde muchos pintores se establecen.

La fascinación simbolista

FERNAND KHNOPFF: " La ciudad abandonada", 1904

El pintor reproduce una esquina de la plaza de Menling en Brujas. Ejemplo de dibujo fantástico: "ambiguo, a un tiempo agradable y amenazante, inquietante, desierto." ("Arte fantástico", Walter Schurian).

Obra basada en un relato simbolista de Georges Rodenbach: ..." el agua de los viejos canales es débil y está poblada de espíritus, / llena de tristeza en medio de las viejas ciudades (...) / tanto se lamenta que incluso parece mortal. / ¿por qué tan desnuda y ya tan próxima a la nada? ¿y qué hace, / con todo su cansancio, sus sueños sombríos, / para no ser solo un espejo delator de la escarcha, / allá donde incluso a la luna le cuesta sobrevivir?"

La ciudad desde la mirada de fauvismo

ANDRÉ DERAIN: "Puente de Charing Cross"

 



DERAIN: "London St. Paul's Cathedral
seen from the Thames", 1906

Mientras que los impresionistas atendían a los efectos de la luz sobre las superficies, los pintores fauvistas se interesan por los colores puros y planos que juegan con las formas. No se preocupan por las cuestiones espaciales. Pintura sencilla, poética que apela a los sentidos, a lo emocional. Causó un fuerte impacto en los espectadores del momento.

El mundo urbano en el expresionismo

AUGUSTE MACKE: "Las personas se reunen", 1914

 

Frente a los demás pintores expresionistas, Macke pintó la vida callejera de una manera amable, escaparates divertidos, cafés, jardines, paseantes. Le gustaba la policromía del vestuario femenino.

AUGUST  MACKE: "Casa en el jardín", 1914

El expresionismo ilustra el lado pesimista de la vida, el que se genera tanto por las circunstancias históricas del momento como por los descubrimientos audaces de los postimpresionistas. Es como un grito en el contexto de una sociedad que vive una industrialización acelerada, con una rápida transformación de las ciudades, de la forma devida, pero que en cambio, mantiene una mentalidad antigua, con un rígido autoritarismo.

La cara oculta de la modernización (alienación, aislamiento y masificación) quedó al alcance de la vista, sobre todo en las metrópolis. Cuadros cargados de emoción debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano...

KIRCHNER: "Escena callejera"

Kirchner empieza a pintar casi exclusivamente escenas de las calles de Berlín y en 1931 escribe: "La luz moderna de las ciudades, el movimiento en la calle; esos son mis estímulos. Una nueva belleza cubre la tierra... La observación del movimiento excita mi pulsión vital, fuente de creación".

En 1914 publicó su "Guía para pintar las grandes ciudades": "Tenemos que empezar a pintar de una vez el lugar donde hemos nacido, la gran ciudad que tanto amamos. Nuestras manos febriles deberían trazar sobre innumerables telas, grandes como frescos, toda la magnificencia y la extrañeza, toda la monstruosidad y lo dramático de las avenidas, estaciones, fábricas y torres". 

MEIDNER: "Ciudad incendiada", 1913

 



La angustia que se aprecia en las obras expresionistas con frecuencia se ha visto como la premonición de una catástrofe inminente, La Gran Guerra.

 

Munch emplea el motivo de la calle principal de Cristianía como escenario en el que tiene lugar la soledad, el temor y la alienación mutua.

MUNCH: "Atardecer en el paseo Karl Johan", 1892

Lyonel Feininger entre el Expresionismo y el Cubismo

LYONEL FEININGER: "Señora en malva", 1922

LYONEL FEININGER: "Arquitectura II" (El hombre de Potin), 1921

"Gaberndorf II",1924

Espacio y tiempo en el Futurismo

El Futurismo rompe con el equilibrio del arte tradicional y reivindica para su arte el dinamismo y el movimiento como elementos de la modernidad. Esto da lugar a que su obra se distinga por sus vibrantes composiciones de color que producen sensaciones simultáneas de espacio, tiempo y sonido. 

                                     BOCCIONI: "la ciudad que emerge", 1910La nueva ciudad cambiante y compleja en la que la velocidad y el dinamismo son parte de su esencia, será un tema recurrente en el movimiento futurista. Para Boccioni la ciudad era el “nuevo altar de la vida moderna, vibrante y dinámico” "La magnificencia del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Nosotros cantaremos a las grandes muchedumbres agitadas por el trabajo, por el placer o la revuelta; cantaremos las marchas multicolores y polifónicas de las revoluciones en las capitales modernas; las estaciones glotonas, devoradoras de serpientes humeantes; las fábricas colgadas de las nubes por los retorcidos hilos de sus humos; los puentes semejantes a gimnastas gigantes que saltan los ríos, relampagueantes al sol ton un brillo de cuchillos; las locomotoras de ancho pecho que piafan en los raíles como enormes caballos de acero embridados con tubos, y el vuelo deslizante del aeroplanos, cuya hélice ondea al viento corno una bandera y parece aplaudir como una muchedumbre entusiasta” BOCCIONI: “Manifiesto del Futurismo"

DEPERO: "New York, 1930